Интересные и полезные лекции о современном искусстве

Всем привет!

В своём прошлом сообщении я писала о том, что пойду на Кибер-фест, который открылся у нас в Санкт-Петербурге 25 января. И очень надеялась, что выложу фотографии и видео с открытия и очень ждала этот день и хотела посмотреть несколько живых перфомансов, поскольку эта тема меня сейчас очень волнует... Так вот. Я никуда не пошла и ещё неизвестно, когда пойду, потому что заболела и ангина приказала мне посидеть дома. Надеюсь, что до окончания, а это будет 7 февраля, что-нибудь успею увидеть, услышать и почувствовать...

Но времени не тратя даром (и особо мне его некуда тратить, так как врач настоятельно рекомендовала соблюдать постельный лежачий режим), я ознакомилась с лекциями "О современном искусстве". Они выложены на ютубе, ведёт их практикующий молодой художник из Украины Константин Зоркин. Причём он постепенно пришёл к перформансу и в одной из своих лекций показывает ученикам часть своей работы.

Вот эти лекции:

Вводная лекция. Искусство и реальность

1. О современном искусстве

2. Что такое перформанс?

 

3. О свободе в искусстве

 

4. Ирония восприятия

 

Мне очень понравилось как лектор преподносит материал: быстро, интересно и свободно. Эти лекции проводились в далёком 2012 году. Для нашего стремительно меняющегося времени это давно, но всё равно гораздо актуальнее того, что я слушала в колледже или университете.

Особенно хочу отметить важность того, чтобы преподаватель был практикующим, ищущим и развивающимся художником. Почему? Потому что, на мой взгляд, в любой сфере недостаточно закончить университет в n-ом году и оставлять знания на том же уровне, а в изобразительном искусстве и подавно. Потому что этот недостаток знаний сказывается и на развитии учеников или студентов. Для примера возьму свой опыт из колледжа. Рисунок вёл действующий художник, о котором я уже писала - Борис Кириллович, а живопись обычный педагог - Зинаида Петровна (в этом имени уже что-то есть...). Итак, опишу свои воспоминания на этот счёт.

Живопись - Зинаида Петровна, обычный преподаватель, закончила университет в n-ом году:

1. "Шаг влево, шаг вправо - расстрел!". Запрещалось какое-либо вольнодумие в технике нанесения краски. Наши работы, когда мы их выставляли вместе, были практически идентичными. Однажды я перепутала свою работу с работой студентки другого курса и до последнего момента была уверена, что это мой натюрморт поехал на выставку в Финляндию! То есть вы можете себе представить насколько мы были клонированы? Отличия были  в основном в том, что если не дал Бог человеку таланта, то значит не дал... Против природы не попрёшь. Экспериментировать я даже не пыталась, да и мыслей таких не возникало. Мне было страшно без преувеличения.
2. Слово "живопись" меня раздражало. Я не считала себя живописцем и не собиралась таковой становиться. Как только я пыталась что-то делать самостоятельно в моей голове начинал звучать злобный голос Зинаиды Петровны: "Куда кладёшь?" (она любила так контролировать за спиной), любые начинания подвергались мучительной пытке и в конце концов прекращались. Работы других живописцев меня редко вдохновляли, так как при просмотре я чувствовала себя ущербно, типа "не, у меня так никогда не получится, я не живописец, даже пытаться не буду". Это одна из причин, по которой я долгое время не могла "отлипнуть" от пастели. 
3. Преподаватель не была практикующим художником, я ни разу не видела её работы. В пример нам приводились работы художников конца 19 - начала 20 веков (фамилию Коровин отчётливо помню, так как наша живопись оценивалась по типу "Коровин-некоровин"). Для примера, на фото картина Константина Коровина "Москворецкий мост". Предел мечтаний))
   
4. Желания приходить на урок отсутствовало, а у нас их было много... Всеми это воспринималось как каторга и, к слову, самой преподавательницей тоже. Почему-то она нас ненавидела... Наиболее точно похожий момент описан в книге Евгения Гришковца "Как я съел собаку": 

"Я отлично могу понять офицеров. Они каждое утро выходили и видели нас, стоящих в строю. И было видно, что они хотели бы видеть нечто другое, а тут мы, в смысле конкретные такие, а еще узбеки, таджики, киргизы, ну, в общем, мы. Они, офицеры, когда поступали в училища, наверное, думали: командир на мостике – и такой гул, флаг и гюйс поднять – и все так торжественно, и флаги, и чайки, и эге-гей ээ… э! А тут мы, вот такие… И с этим ничего не поделаешь.

И мне становилось стыдно за то, что я вот такой, а не другой, и понимал, что виноват, причем во всем…"

В общем, такие у нас были занятия живописью. Не хочу описывать личность преподавателя, да и к концу учёбы я с ней даже подружилась. Здесь я написала только педагогические ошибки, неприемлемые для преподавания живописи. Да и в целом обесценивание творческого начала в человеке - это преступление! 

Ах, да! Приведу примеры моих работ, выполненные гуашью:

Женщина в платке

Натюрморт

Какая работа с какого курса я уже не помню. На первом курсе мы писали акварелью (очень неакварельно, но пример не могу предоставить), а потом в той же самой технике гуашью. Поэтому акрил и масло я осваиваю самостоятельно. 

Рисунок - Борис Кириллович, заслуженный художник Республики Карелия. Пришёл он к нам не сразу, курса со второго и сразу же всем полюбился: спокойный, добрый, отзывчивый и внимательный. В общем, полюбился нам всем наш новый учитель и мы даже говорили между собою: на живопись идёшь, потому что если прогуляешь, то будет ещё хуже, а рисунок боишься пропустить. Так за какие же его заслуги мы так трепетали любовью к рисунку?

1. Волюнтаризм. Никакого тотального контроля, только поддержка и помощь в том, чтобы научиться самостоятельно смотреть и видеть, что делать в работе и как её закончить. Была предоставлена возможность экспериментировать и приходить на занятия с любыми материалами. А это уже одна из причин, по которой я "прилипла" к пастели))
2. Доброжелательная атмосфера, шутки, отсутствие страха перед преподавателем, а только уважение к нему и его опыту.
3. Учитель - практикующий художник, участвующий в выставках. К слову, он был один единственный из всего состава педагогов, кто развивался, участвовал в выставках, имел свою мастерскую, писал методику преподавания и даже фотографировал наши работы для примера. На фото Борис Кириллович на фоне своей картины: 
   
4. Иногда он приходил пьяненький))) Но это ещё больше нас умиляло - художник же ж)) Иногда я спала на специальном кресле для постановок во время урока и он мне давал такую возможность, но не слишком много, чтобы я не обнаглела. И всё равно мне было очень приятно понимание и принятие того, что мне нужно немного поспать, а потом я всё сделаю. Но сначала посплю))

     5.  Примеры моих работ по рисунку:

Портрет пожилого мужчины. Сангина, бумага

Портрет молодой женщины. Уголь, бумага

Автопортрет в дурном настроении (даже глаза себе сделала карие 😉, типа огонь в них 😊) Пастель, бумага. 

Возвращаемся к главной теме. Как видно из примеров, отношения преподавателя к своей деятельности имеет важное значение. Нельзя просто так взять и учить художников, не являясь художником. Серьёзно! Да, конечно, есть теоретики. Но в таком случае идите в культуроведы, искусствоведы, философы - болтайте себе там на здоровье и никаких проблем))

Почему это важно? Потому что художнику нужно найти себя, свой стиль, своё направление, своих зрителей, своих галеристов и сейчас не то время, чтобы 5 лет делать какую-то фигню как это делали в 19 веке, потом ещё 20 лет что-то экспериментировать, потом ещё 10 лет бухать и т.д., а потом к старости что-то там сделать и окажется, что это уже 100 лет назад делали. Сейчас люди другой формации. Время гаджетов берёт своё. Я, например, уже с большим трудом могу задерживать внимание на чем-либо одном, особенно если это мне неинтересно. И задача современного художника быть на этой волне. Задача современного преподавателя живописи и рисунка - быть современным художником, понимать, что происходит и не вдалбливать студентам какими они должны быть по его определению, а только направить искать своё русло. Таким образом, и учитель, и ученик экономят силы: один не напрягает, другой не напрягается. Лекции именно в таком духе. Мне понравилось, что художников середины 20 века Константин Зоркин не называет современным искусством, а приводит их работы в качестве примеров поиска себя. 

Например, в своё время не было масляных красок и писали темперой. Появилось масло и случился прорыв. Революция! Живопись стала другой, её смысл стал меняться, также как менялась культура и мировоззрение людей. А дальше акриловые краски, коллажи, брызги, отсутствие границ восприятия и выбора материала, эксперименты, опыты и виртуальный мир. Мы меняемся всегда. Да, для многих художник это тот, кто нарисует предмет "как на фотографии", "как живой". Так, возможно, мыслят те, кто ещё не накопил на фотоаппарат и пользуется Нокией 3310. Да, для такого уровня мышления, безусловно, гиперреализм предел мечтаний. Но я не вижу в таком "искусстве" никакого смысла. Потому что это уже умерло и это не исусство, а ремесло. Я даже не задерживаю внимание на таких вещах. Нет времени делать работу долго, нет времени долго искать смысл в том, что тебе неинтересно.

Лично для меня чувства и эмоции в процессе создания работы на первом месте, ибо важен не результат, а процесс. Ну не люблю я тягомотину, медлительность и аккуратность! Я люблю, когда ловишь волну и тебя прёт. Я называю это состояние трансом. Причём, меня не волнует в дальнейшем "протащило" от моей работы всех также, как меня или нет. Всем не угодишь)) "Свой" зритель поймёт и тоже испытает хотя бы часть моего состояния, а у не "своего" другие интересы. Каждый волен выбирать то, что он хочет. Такие дела.

В следующем сообщении я хочу подробнее остановится на том как, по моему мнению, следует учить художников и в чём были ошибки обучения в моё время.

П.С. Вэлкам в группку vk 😊 Также можете поделиться своим мнением в комментариях к теме.