Всем привет!
В своём прошлом сообщении я писала о том, что пойду на Кибер-фест, который открылся у нас в Санкт-Петербурге 25 января. И очень надеялась, что выложу фотографии и видео с открытия и очень ждала этот день и хотела посмотреть несколько живых перфомансов, поскольку эта тема меня сейчас очень волнует... Так вот. Я никуда не пошла и ещё неизвестно, когда пойду, потому что заболела и ангина приказала мне посидеть дома. Надеюсь, что до окончания, а это будет 7 февраля, что-нибудь успею увидеть, услышать и почувствовать...
Но времени не тратя даром (и особо мне его некуда тратить, так как врач настоятельно рекомендовала соблюдать постельный лежачий режим), я ознакомилась с лекциями "О современном искусстве". Они выложены на ютубе, ведёт их практикующий молодой художник из Украины Константин Зоркин. Причём он постепенно пришёл к перформансу и в одной из своих лекций показывает ученикам часть своей работы.
Вот эти лекции:
Вводная лекция. Искусство и реальность
1. О современном искусстве
2. Что такое перформанс?
3. О свободе в искусстве
4. Ирония восприятия
Мне очень понравилось как лектор преподносит материал: быстро, интересно и свободно. Эти лекции проводились в далёком 2012 году. Для нашего стремительно меняющегося времени это давно, но всё равно гораздо актуальнее того, что я слушала в колледже или университете.
Особенно хочу отметить важность того, чтобы преподаватель был практикующим, ищущим и развивающимся художником. Почему? Потому что, на мой взгляд, в любой сфере недостаточно закончить университет в n-ом году и оставлять знания на том же уровне, а в изобразительном искусстве и подавно. Потому что этот недостаток знаний сказывается и на развитии учеников или студентов. Для примера возьму свой опыт из колледжа. Рисунок вёл действующий художник, о котором я уже писала - Борис Кириллович, а живопись обычный педагог - Зинаида Петровна (в этом имени уже что-то есть...). Итак, опишу свои воспоминания на этот счёт.
Живопись - Зинаида Петровна, обычный преподаватель, закончила университет в n-ом году:
- "Шаг влево, шаг вправо - расстрел!". Запрещалось какое-либо вольнодумие в технике нанесения краски. Наши работы, когда мы их выставляли вместе, были практически идентичными. Однажды я перепутала свою работу с работой студентки другого курса и до последнего момента была уверена, что это мой натюрморт поехал на выставку в Финляндию! То есть вы можете себе представить насколько мы были клонированы? Отличия были в основном в том, что если не дал Бог человеку таланта, то значит не дал... Против природы не попрёшь. Экспериментировать я даже не пыталась, да и мыслей таких не возникало. Мне было страшно без преувеличения.
- Слово "живопись" меня раздражало. Я не считала себя живописцем и не собиралась таковой становиться. Как только я пыталась что-то делать самостоятельно в моей голове начинал звучать злобный голос Зинаиды Петровны: "Куда кладёшь?" (она любила так контролировать за спиной), любые начинания подвергались мучительной пытке и в конце концов прекращались. Работы других живописцев меня редко вдохновляли, так как при просмотре я чувствовала себя ущербно, типа "не, у меня так никогда не получится, я не живописец, даже пытаться не буду". Это одна из причин, по которой я долгое время не могла "отлипнуть" от пастели.
- Преподаватель не была практикующим художником, я ни разу не видела её работы. В пример нам приводились работы художников конца 19 - начала 20 веков (фамилию Коровин отчётливо помню, так как наша живопись оценивалась по типу "Коровин-некоровин"). Для примера, на фото картина Константина Коровина "Москворецкий мост". Предел мечтаний))
- Желания приходить на урок отсутствовало, а у нас их было много... Всеми это воспринималось как каторга и, к слову, самой преподавательницей тоже. Почему-то она нас ненавидела... Наиболее точно похожий момент описан в книге Евгения Гришковца "Как я съел собаку":
И мне становилось стыдно за то, что я вот такой, а не другой, и понимал, что виноват, причем во всем…"
В общем, такие у нас были занятия живописью. Не хочу описывать личность преподавателя, да и к концу учёбы я с ней даже подружилась. Здесь я написала только педагогические ошибки, неприемлемые для преподавания живописи. Да и в целом обесценивание творческого начала в человеке - это преступление!
Ах, да! Приведу примеры моих работ, выполненные гуашью:
Женщина в платке
Натюрморт
Какая работа с какого курса я уже не помню. На первом курсе мы писали акварелью (очень неакварельно, но пример не могу предоставить), а потом в той же самой технике гуашью. Поэтому акрил и масло я осваиваю самостоятельно.
Рисунок - Борис Кириллович, заслуженный художник Республики Карелия. Пришёл он к нам не сразу, курса со второго и сразу же всем полюбился: спокойный, добрый, отзывчивый и внимательный. В общем, полюбился нам всем наш новый учитель и мы даже говорили между собою: на живопись идёшь, потому что если прогуляешь, то будет ещё хуже, а рисунок боишься пропустить. Так за какие же его заслуги мы так трепетали любовью к рисунку?
- Волюнтаризм. Никакого тотального контроля, только поддержка и помощь в том, чтобы научиться самостоятельно смотреть и видеть, что делать в работе и как её закончить. Была предоставлена возможность экспериментировать и приходить на занятия с любыми материалами. А это уже одна из причин, по которой я "прилипла" к пастели))
- Доброжелательная атмосфера, шутки, отсутствие страха перед преподавателем, а только уважение к нему и его опыту.
- Учитель - практикующий художник, участвующий в выставках. К слову, он был один единственный из всего состава педагогов, кто развивался, участвовал в выставках, имел свою мастерскую, писал методику преподавания и даже фотографировал наши работы для примера. На фото Борис Кириллович на фоне своей картины:
- Иногда он приходил пьяненький))) Но это ещё больше нас умиляло - художник же ж)) Иногда я спала на специальном кресле для постановок во время урока и он мне давал такую возможность, но не слишком много, чтобы я не обнаглела. И всё равно мне было очень приятно понимание и принятие того, что мне нужно немного поспать, а потом я всё сделаю. Но сначала посплю))
Портрет пожилого мужчины. Сангина, бумага
Портрет молодой женщины. Уголь, бумага
Автопортрет в дурном настроении (даже глаза себе сделала карие 😉, типа огонь в них 😊) Пастель, бумага.
Возвращаемся к главной теме. Как видно из примеров, отношения преподавателя к своей деятельности имеет важное значение. Нельзя просто так взять и учить художников, не являясь художником. Серьёзно! Да, конечно, есть теоретики. Но в таком случае идите в культуроведы, искусствоведы, философы - болтайте себе там на здоровье и никаких проблем))
Почему это важно? Потому что художнику нужно найти себя, свой стиль, своё направление, своих зрителей, своих галеристов и сейчас не то время, чтобы 5 лет делать какую-то фигню как это делали в 19 веке, потом ещё 20 лет что-то экспериментировать, потом ещё 10 лет бухать и т.д., а потом к старости что-то там сделать и окажется, что это уже 100 лет назад делали. Сейчас люди другой формации. Время гаджетов берёт своё. Я, например, уже с большим трудом могу задерживать внимание на чем-либо одном, особенно если это мне неинтересно. И задача современного художника быть на этой волне. Задача современного преподавателя живописи и рисунка - быть современным художником, понимать, что происходит и не вдалбливать студентам какими они должны быть по его определению, а только направить искать своё русло. Таким образом, и учитель, и ученик экономят силы: один не напрягает, другой не напрягается. Лекции именно в таком духе. Мне понравилось, что художников середины 20 века Константин Зоркин не называет современным искусством, а приводит их работы в качестве примеров поиска себя.
Например, в своё время не было масляных красок и писали темперой. Появилось масло и случился прорыв. Революция! Живопись стала другой, её смысл стал меняться, также как менялась культура и мировоззрение людей. А дальше акриловые краски, коллажи, брызги, отсутствие границ восприятия и выбора материала, эксперименты, опыты и виртуальный мир. Мы меняемся всегда. Да, для многих художник это тот, кто нарисует предмет "как на фотографии", "как живой". Так, возможно, мыслят те, кто ещё не накопил на фотоаппарат и пользуется Нокией 3310. Да, для такого уровня мышления, безусловно, гиперреализм предел мечтаний. Но я не вижу в таком "искусстве" никакого смысла. Потому что это уже умерло и это не исусство, а ремесло. Я даже не задерживаю внимание на таких вещах. Нет времени делать работу долго, нет времени долго искать смысл в том, что тебе неинтересно.
Лично для меня чувства и эмоции в процессе создания работы на первом месте, ибо важен не результат, а процесс. Ну не люблю я тягомотину, медлительность и аккуратность! Я люблю, когда ловишь волну и тебя прёт. Я называю это состояние трансом. Причём, меня не волнует в дальнейшем "протащило" от моей работы всех также, как меня или нет. Всем не угодишь)) "Свой" зритель поймёт и тоже испытает хотя бы часть моего состояния, а у не "своего" другие интересы. Каждый волен выбирать то, что он хочет. Такие дела.
В следующем сообщении я хочу подробнее остановится на том как, по моему мнению, следует учить художников и в чём были ошибки обучения в моё время.
П.С. Вэлкам в группку vk 😊 Также можете поделиться своим мнением в комментариях к теме.
